TEMA:

“10 EXPRESIONES ARTÍSTICAS DE REALISMO SOCIAL"

  

INTRODUCCIÓN

Si lo pensamos bien, todo el realismo es social. El nacimiento mismo del movimiento realista francés en el siglo XIX es debido a factores más sociales que estéticos.

Sin embargo, el realismo social es puro siglo XX. Lo vemos mucho en literatura, como una forma de denuncia para las barbaridades de este siglo atroz. También en el cine.

Paralelamente, nace en los Estados Unidos un Nuevo realismo igualmente social, pero mucho más poético y evocador, menos reivindicativo en apariencia. El realismo social carga mucho más las tintas en los temas políticos y sociales, y además no tenían fronteras. Como la izquierda, es un movimiento internacional. Y por ello su arte debe ser universal. En todos los países hay problemas, y el realismo social quiso expandir la conciencia de clase y el conocimiento de los problemas sociales de la gente.

No se trata de mostrar la realidad. Se trata de denunciarla.

Los artistas de este movimiento estaban mayoritariamente vinculados a la izquierda, sino eran directamente militantes.

DESARROLLO

REALISMO SOCIAL

Es usado para referirse al trabajo de artistas como pintores, grabadores, fotógrafos, escritores y cineastas que pretenden llamar la atención sobre las condiciones cotidianas de la clase obrera como medio para criticar.

Las características del realismo varían, pero casi siempre se utiliza una forma de realismo descriptivo o crítico. Adquiriendo las bases del realismo europeo, el realismo social pretende revelar tensiones entre una fuerza opresiva y hegemónica y sus víctimas.

EXPRESIONES ARTÍSTICAS DEL REALISMO SOCIAL

1.       NIGHTHAWKS - EDWARD HOPPER

 

Nighthawks (1942) (literalmente Halcones de la noche, aunque se le ha dado el nombre de Noctámbulos en español) es un cuadro del pintor estadounidense Edward Hopper en el cual se ve a cuatro personas sentadas en un diner urbano por la noche. No sólo es el cuadro más famoso hecho por Hopper, sino también uno de los más reconocibles del arte estadounidense. Actualmente se encuentra en la colección del Instituto de Arte de Chicago.

"Nighthawk" puede referirse al término "night owl" (búho de la noche), usado para describir a alguien que trasnocha. La escena se inspiró en un diner (ya derribado) en el Greenwich Village, el barrio natal de Hopper en Manhattan. Hopper empezó a pintarlo justo después del ataque en Pearl Harbor, cuando se sentía gran desánimo y preocupación en todo el país, lo cual se refleja en el cuadro.

2.       CHOP SUEY - EDWARD HOPPER

La escena muestra a dos mujeres en una mesa en un restaurante con otra pareja al fondo. Las únicas características que se muestran con particular detalle son la cara pintada de la mujer, el abrigo colgando sobre ella, la espalda de su acompañante [al espectador], las características de la pareja en el fondo, la tetera en la mesa, el panel de la ventana inferior enmascarado y el cartel del restaurante afuera. Estas son todas las características que aportarían un elemento sensorial (además de la vista) a la memoria pintada. El zumbido de la luz exterior, las voces de las personas en el fondo, la textura del abrigo, el sabor del té y el olor del humo del cigarrillo (sostenido por el hombre) y la luz confusa de la ventana enmascarada.

3.    HABITACIÓN EN NUEVA YORK - EDWARD HOPPER

El espectador del cuadro observa la escena desde el exterior de una ventana negra, con cuatro bloques de mampostería y una columna a su izquierda. Ver la escena desde la ventana provoca un gran realismo a la acción de espiar a los dos personajes que no son conscientes de que están siendo observados. Esta técnica del espionaje es un producto del proceso artístico de Hopper.

El entorno que Hopper pinta es oscuro, con esto se sitúa al espectador en la noche neoyorkina. En cuanto a la composición de la obra, Hopper nos divide el cuadro en dos mitades, y en cada una de ellas nos encontramos como elementos principales a un hombre, en el lado izquierdo, y a una mujer, en el lado derecho. Ella lleva un vestido de color rojo que deja al descubierto su cuello y sus brazos. Se encuentra sentada en un piano tocando con un dedo las teclas de este. Su postura es frontal, con la cabeza y los hombros girados hacia el instrumento. Su mitad izquierda está en sombra, y el perfil derecho nos muestra su tez blanca. El hombre es rubio y se halla sentado en un butacón de color rosado. Lleva una camisa blanca cuyas mangas están remangadas, y él está con los codos apoyados sobre sus piernas, mientras lee un periódico.

En cuanto al cuarto donde se encuentran, las paredes son de color verde y en medio de esta hay una mesa de madera de roble al igual que la puerta que está en la parte trasera del cuadro. Distinguimos varios cuadros y, a nuestra derecha, tras el piano una pantalla roja perteneciente a una lámpara.

Hopper admitió que la inspiración para el cuadro la tomó de "atisbos de interiores iluminados vistos mientras caminaba por las calles de la ciudad por la noche".

4.       EL NIÑO DEL TACO - DIEGO RIVERA

Después de haber pintado varios murales en la Secretaría de Educación Pública, Diego Rivera rescató algunas de esas imágenes para trabajarlas en pequeño formato, con la técnica de la litografía, como en El niño del taco de 1932. En la escena se ve a un niño comiendo un taco y, a sus pies, un perro xoloitzcuintle que espera ansioso una migaja.

El perro no aparece de manera fortuita, ya que Diego revalora esta especie canina, cuyos orígenes se remontan al periodo prehispánico, cuando se consideraba a este animal como un ser vinculado con aspectos tanto cotidianos como religiosos y míticos. Al xoloitzcuintle se le ha dado a conocer en varias partes del mundo; sin embargo, no deja de causar interés y curiosidad entre la gente, sobre todo por carecer de pelaje.

5.       EL ENTREPUENTE (FOTOGRAFÍA) -ALFRED STIEGLITZ

Estados Unidos, 1907Nueva York, 1907, Alfred Stieglitz se encontraba listo para zarpar en la embarcación que lo llevaría al puerto alemán de Bremen. Agobiado por la multitud que se empezaba a acumular decide abandonar el interior del pasillo en el que se encontraba y sale, al mirar atrás repentinamente, descubre frente a sus ojos la escena que lo empujaría a realizar la fotografía más determinante de toda su carrera. Corrió de vuelta a su camarote, agarró su cámara y, deseando que el hombre con sombrero de paja siguiese en la misma posición en la que lo había encontrado (esto es verídico), se preparó para disparar.

Lo que Stieglitz consiguió tomar en aquel momento no fue solo una simple captura de la multitud más; es lo que muchos expertos consideran como una de las primeras imágenes en las que podemos observar voluntad por parte del autor de representar la hiriente realidad social desde un punto de vista estrictamente fotográfico. Stieglitz entonces ya era el máximo defensor y fundador del grupo Photo-Secession, el cuál defendía la Fotografía Directa como único método para que la fotografía alcanzase su independencia frente a la pintura.

6.       PELÍCULA DE NUEVA YORK, 1939 - EDWARD HOPPER

 Una sala de cine en Nueva York, uno de esos elaborados palacios simulados donde Hollywood nos lleva por unas horas a otro mundo, en este caso, aparentemente, las altas montañas. Es decir, nos anima como audiencia, pero no es el acomodador, que probablemente ha visto la película miles de veces y espera el telón, reflexionando sobre sus propios pensamientos. Su figura estacionaria contrarresta la pantalla con sus ilusiones incesantemente parpadeantes de lugares que no están aquí ni ahora.

Como la mayoría de las figuras femeninas en las pinturas de Hopper, esta se basó en su esposa, Jo, que posó debajo de una lámpara en el pasillo de su apartamento. Como muestran los numerosos estudios preliminares para la imagen, Hopper no solo atrajo a su esposa en varias poses diferentes para la película de Nueva York, sino que diseñó con precisión la decoración del auditorio, siguiendo el patrón de la alfombra. Una y otra vez dibujó los vestíbulos, las escaleras y los auditorios de sus salas de cine favoritas, el Palacio, el Globo, la República y Strand.

7.       FREIGHT CAR AT TRURO-EDWARD HOPPER

Edward Hopper pintó el vagón de carga en Truro en 1931. Al igual que con muchas de sus pinturas durante esta época, optó por usar óleos sobre lienzo. A lo largo de su carrera, Hopper se centró en los objetos cotidianos que nos rodean, con sus pinturas dominadas por la forma humana, los edificios y los vehículos.

El vagón de carga en Truro al principio parece ser una pintura muy simple. El tren de carga está solo en una vía de ferrocarril desierta y domina toda la pintura con su uso audaz del color y las líneas rectas.

8.       ROOM IN BROOKLYN -EDWARD HOPPER

Room In Brooklyn es una de varias pinturas producidas por Edward Hopper que muestran a individuos mirando por sus ventanas, normalmente con un paisaje visto a través de la misma ventana desde la que están mirando.

Este tipo de escena reflejaba el estado de ánimo que Hopper mostraba en sus modelos, típicamente pensativo y relajado, disfrutando del paisaje que el pintor había decidido incluir.

9.       BAILARINA EN REPOSO - DIEGO RIVERA (1939)

Bailarina en reposo corresponde al período de máxima producción de obras de caballete de Diego Rivera.

En ésta, el artista transcribe las proporciones de la raza negra al canon del ideal clásico. Su análisis directo muestra la persistencia de rasgos constantes o característicos de sus obras: las diagonales divergentes en la parte superior producen una composición de pirámide invertida que se asienta en la cúspide, mientras que la punta de dicha pirámide se encuentra en los pies de la bailarina. El banquillo está desviado del eje vertical, para acentuar la oblicuidad de la composición, en tanto que la piel morena ha sido trabajada con deslumbrante transparencia y color. La modelo retratada fue Maudelle Bass: una bailarina cubano-norteamericana, que había llegado a México para realizar varias presentaciones con su espectáculo de baile. Al conocerle, Rivera le solicitó que posara para él y realizó una serie de bocetos y cuadros al óleo.

10.   EDWARD HOPPER - “SUMMER EVENING” (1947, ÓLEO SOBRE LIENZO, 76 X 106 CM, COLECCIÓN PARTICULAR)

En este cuadro, vemos a una pareja en un porche, en una noche calurosa de verano. Por su postura relajada y lo cerca que están uno del otro, podemos deducir que existe cierta intimidad entre ellos (o sea, que no se acaban de conocer). Él parece estar hablando, con la mano apoyada en el pecho, y ella escucha, pero no le mira. ¿Quiénes son? ¿Qué relación hay entre ellos? ¿De qué hablan? ¿Son felices o desgraciados? ¿De quién es la casa? ¿Qué hay detrás de la puerta?

Esta ambigüedad, tan típica de las obras de Hopper, dispara nuestra imaginación, obligándonos a completar mentalmente lo que no vemos. Cada uno de nosotros verá en el lienzo una historia diferente, todas ellas igual de válidas. Y mientras tanto, los personajes siguen tranquilamente con sus vidas, sin sospechar que el espectador siempre está presente, escondido, acechando desde las sombras.

CONCLUSIÓN

El realismo socialista tiene sus raíces en el neoclasicismo y las tradiciones realistas de la literatura rusa del siglo XIX, que describe la vida simple del pueblo, de lo cual es un exponente la obra de Máximo Gorki.

Su objetivo es exaltar a la clase trabajadora común, ya sea industrial o agrícola, al presentar su vida, trabajo y recreación como algo admirable. En otras palabras, su objetivo es educar al pueblo en las miras y significado del socialismo. La meta final es crear lo que Lenin llamó un tipo de ser humano completamente nuevo, el Nuevo Hombre Soviético. Stalin describió a los ejecutores del realismo socialista como ingenieros de almas.

El término "Realismo" se refiere a la intención de describir al trabajador como se supone que es en realidad, portando sus herramientas. El proletariado está en el centro de los ideales comunistas y por lo tanto su vida es materia digna de estudio. Con esto, el realismo socialista se distancia del arte aristocrático producido bajo los zares durante los siglos anteriores, pero se entronca con la tendencia decimonónica a representar la vida social del pueblo común.

Los pintores representan campesinos alegres y musculosos, trabajadores de fábricas y granjas colectivas, maquinaria; durante el estalinismo también producían numerosos retratos heroicos de Stalin. Los paisajes industriales y agrícolas que exhibían los logros de la economía soviética eran temas muy comunes. Se esperaba que los novelistas escribieran historias concordantes con la doctrina marxista del materialismo dialéctico. Los compositores de música debían crear una música vívida que reflejara la vida y luchas del proletariado.

Entre los principales exponentes tenemos: Edward Hopper, Thomas Hart Benton, Will Barnet, Ben Shahn, Jacob Lawrence, Paul Meltsner, Romare Bearden, Rafael Soyer, Isaac Soyer, Moses Soyer, Reginald Marsh, John Steuart Curry, Arnold Blanch, Aaron Douglas, Grant Wood, Horace Pippin, Walt Kuhn, Isabel Bishop, Paul Cadmus, Doris Lee, Philip Evergood, Robert Gwathmey, Ralph Ward Stackpole, John Augustus Walker y otros.

En fotografía se han denominado como realismo social la obra de Walker Evans, Dorothea Lange, Margaret Bourke-White, Lewis Hine, Edward Steichen, Manuel Rivera-Ortiz y otros

BIBLIOFRAFÍA

https://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/thumb/a/a8/Nighthawks_by_Edward_Hopper_1942.jpg/300px-Nighthawks_by_Edward_Hopper_1942.jpg